Хотя само слово имеет греческие корни и означает "пишу", "черчу". В наше время это самостоятельный и многогранный вид, имеющий свои жанры и каноны.
Виды графического искусства
По своему назначению графические работы подразделяются на такие виды:
- Станковая графика. Как вид искусства приближена к живописи, так как передает видение и эмоциональный мир художника. Причем мастер достигает этого не за счет многообразия палитры красок и различных техник их нанесения на холст, а с помощью линий, штрихов, пятен и тона бумаги.
- Прикладная графика как вид изобразительного искусства. Примеры ее окружают нас повсюду, она имеет конкретное предназначение. Например, иллюстрация книг помогает читателю легче воспринимать ее содержание, плакаты и афиши несут знания или рекламную информацию. Сюда же относятся этикетки на товары, марок, карикатуры и многие другие.
Любые виды изобразительного искусства (графика, картинки не исключение) начинаются с наброска рисунка. Все художники используют его как первую ступеньку перед написанием основного полотна. Именно в нем создается проекция положения объекта живописи в пространстве, которая в дельнейшем переносится на холст.
Графический рисунок
Графика как вид изобразительного искусства, виды графики любого направления начинаются с рисунка, как и полотна в живописи. Для графического рисунка используют бумагу, чаще всего белую, хотя возможны варианты.
Главной его отличительной чертой является контраст двух или нескольких цветов - черный, белый, серый. Возможны другие виды контрастов, но даже если мастер использует черный карандаш на белой бумаге, то оттенки штрихов богаты разнообразием от мягкого черного цвета до глубокой черноты.
Эмоционально сильными являются рисунки черно-белого оттенка с добавлением одного Это притягивает взгляды, и фокусировка взгляда зрителя сосредоточена на ярком пятне. Такая графика как вид изобразительного искусства (фото очень ясно это показывает) становится ассоциативным произведением, когда яркий акцент вызывает у зрителя воспоминания личного характера.
Инструменты для создания графического рисунка
Самыми простыми и доступными средствами являются графитные карандаши и обычная шариковая ручка. Также мастера любят применять тушь, уголь, пастель, акварель и сангину.
Графитный карандаш - самый популярный инструмент. Это деревянный или металлический корпус, в который вставлен либо графитный серовато-черный стержень, либо цветной, в который добавлены красители.
Не имеют корпуса, но их цвета можно смешивать, чтобы получать новые оттенки.
Тушь имеет насыщенный черный цвет, легко ложится на бумагу, применяется для каллиграфии, черчения и рисования. Наносить ее можно пером или кистью. Чтобы получать различные оттенки черного цвета, тушь разводят водой.
Графика как вид искусства не обошла стороной такой инструмент, как уголь. Древесный уголь для рисования применяли еще в древности, а в 19 веке был создан художественный уголь из спрессованного порошка угля и клеящих материалов.
Современные мастера графики применяют также фломастеры с различным по толщине стержнем.
Печатная графика
Это далеко не все виды, применяемые в печатном деле.
Книжная графика
К этому виду изобразительного искусства относятся следующие:
- Книжная миниатюра. Древний способ оформлять рукописи, который применялся еще в Древнем Египте. В Средневековье основной темой миниатюры были религиозные мотивы, и только с 15 века стали появляться светские сюжеты. Основные материалы, которые использовали мастера миниатюры, - это гуашь и акварель.
- Оформление обложки - это передача эмоционального посыла книги, ее основная тематика. Здесь гармоничным должны быть и шрифт, и размер букв, и рисунок, соответствующий ее названию. Обложка представляет читателю не только автора произведения, его труд, но и издательский дом и самого оформителя.
- Иллюстрации используют как дополнение к книге, помогающее создавать зрительные картинки у читающего для более точного восприятия текста. Эта графика как вид искусства зародилась во времена книгопечатания, когда сменились ручные миниатюры на гравюры. С иллюстрациями человек сталкивается в самом раннем детстве, когда еще не умеет читать, а познает сказки и их героев через картинки.
Книжная графика как вид изобразительного искусства в ДОУ познается через иллюстрированные книги, несущие информацию в картинках для самых маленьких детей, и через текст с поясняющими изображениями для старшего возраста.
Плакат как вид искусства
Еще один представитель графической живописи - это плакат. Основная его функция - передача информации с помощью короткой фразы с усиливающим ее изображением. По области применения плакаты бывают:
Плакат является одним из самых распространенных видов графики.
Прикладная графика
Еще один вид графического искусства - это оформление этикеток, конвертов, марок и обложек для видео и музыкальных дисков.
- Этикетка - это вид промышленной графики, главное назначение которой - дать максимальное о продукте при минимальном размере изображения. При создании этикетки учитывается цветовая гамма, которая должна вызывать у зрителя симпатию и доверие к товару.
- Обложки для дисков несут максимальную информацию о фильме или музыкальной группе, передавая ее через рисунок.
- Графическое оформление марок и конвертов имеет многолетнюю историю. Сюжетами для них чаще всего становятся события, происходящие в разных странах, окружающий мир и большие праздники. Марки могут выпускаться как отдельными экземплярами, так и целыми сериями, объединенными единой тематикой.
Марка, пожалуй, самый распространенный вид графического искусства, который стал предметом коллекционирования.
Современная графика
С появлением компьютерных технологий стал развиваться новый вид графического искусства - компьютерная графика. Ее применяют для создания и коррекции графических изображений на компьютере. Вместе с ее возникновением появились новые профессии, например дизайнер по компьютерной графике.
Для того, чтобы понять, что такое интернациональный стиль, необходимо определить понятие стиля в графическом дизайне вообще. Американский исследователь и теоретик графического дизайна Стивен Хеллер называет стиль манерой проектирования, соотносящейся с временем и местом. Также это слово используется, чтобы определить манеру какого-нибудь отдельного автора или группы авторов. В более узком смысле стилем иногда называют устоявшуюся совокупность требований к дизайну какого либо вида изделий или документов, например «сделать в стиле газетных заголовков». Один стиль вырастает из другого, они разветвляются, существуют параллельно друг другу, умирают и снова.
Интернациональный стиль был вызван потребностями крупных корпораций в системах идентификации.
Понятие «стиль» в графическом дизайне тесно связанно с понятием «графический язык», и часто с ним отождествляется. Графический язык - это некий набор визуальных приемов, характерных для данного стиля. В него могут входить принципы композиции (статичная или динамичная, упорядоченная или хаотичная), характер колористических и тоновых отношений, пластические приемы (использование плашек, линеек и пр.), арсенал используемых шрифтов.
В графическом дизайне стиля модерн наряду с динамичной, использовалась и статичная, иногда даже симметричная композиция, тяготеющая к равномерному заполнению плоскости листа, почти всегда применялись поля и рамки, делящие лист на зоны. Цветовые гаммы стиля богаты и нюансированы, пастельные цвета соседствуют с открытыми, часто использовались орнаменты, характерные для художественного стиля в целом, применялись, в основном, рисованные акцидентные шрифты. Все вышеперечисленное составляет графический язык стиля модерн. У «модернистской» графики Баухауза он совершенно иной, несмотря на сравнительно небольшой временной интервал между ними. Композиции обретают центр и периферию, в ряде случаев становятся динамичными, с ярко выраженной диагональю. Цветовые гаммы у дизайнеров Баухауза становятся скудней и минималистичней, исчезает орнаментация, главенствуют прямые и циркульные линии, прихотливые извивающиеся шрифты стиля модерн уступают место строгим геометрическим. Графический язык в отличие от стиля не связан со временем, местом, и ситуацией, что не позволяет полностью отождествить эти понятия.
Сложение модернизма
Старые стили и старые методы работы не могли обслужить производство, продвинувшееся далеко вперед. Индивидуальные вещи, созданные художниками-прикладниками несли на себе печать высокого эстетического вкуса, но изделия, выходившие из стен фабрик, не имели ничего общего с эстетикой.
В своей книге «Графические стили. От викторианского до постмодернизма» Стивен Хеллер называет модерн, или «Ар Нуво», как он обычно именуется в англоязычной литературе, первым международным стилем. Это действительно первое направление, претендующее на создание всей предметной среды, и не связанное с историческими прототипами.
Заслуга архитекторов и дизайнеров модерна в том, что они почти что с нуля создали новый пластический язык, доказали что возможно создать эстетически совершенную вещь не на основе классических элементов, придуманных греками на заре цивилизации, таких как, например, архитектурный ордер. Они пытались создать новую эстетическую среду, проектируя все элементы предметного быта в едином стилистическом ключе. Однако принципы работы остались теми же. Художники сосредотачивались на том, чтобы сделать вещь максимально красивой и изящной, забывая о том, тиражировать.
Основной составляющей графического языка стиля модерн стала авторская иллюстрация, включающая в себя сложные орнаменты и индивидуальные рисованные шрифты. Это предполагало большие временные затраты на создание оригинал-макета, и как правило, большие материальные затраты на производство (цветная печать в то время была роскошью). Модерн оказался слишком дорогим, и его повсеместная, но недолгая популярность в Европе так и не успела пересечь океан.
Новые художественные течения начала двадцатого века, такие как кубизм, футуризм, супрематизм, дали жизнь такому глобальному явлению в прикладном искусстве, как модернизм. Полный или частичный отказ от принципа изобразительности старых стилей искусства, поиски новых визуальных приемов, революционная направленность и радикализм являются наиболее характерными чертами этих течений. Казимир Малевич, его опыты супрематизма фактически были направлены на создание пластического языка будущего, свободного от какого либо украшательства, состоящего из простых форм, и где основным фактором является композиция, плоскостная или объемно-пространственная. Родственный супрематизму графический дизайн всегда заимствовал образы и подходы из других областей художественной и популярной культуры. Визуальные цитаты, ссылки всех видов, мимикрия стилей – это существенная особенность пути графического дизайна, его метаморфозы в 20-м столетии. Результатом этого стал постмодернизм, как завершающий аккорд современной культуры.
«Неудачи нового, заключены в прошлом» Фредерик Джеймсон, литературный критик.
Постмодернизм в конце XX века. Ранние признаки «постмодернизм», стали появляться в середине 1970-х. В графическом дизайне, это особенно проявилось в оформлении обложек к музыкальной продукции - пластинках, кассетах, компакт-дисках. Высокая степень мобильности, ориентирование на активные группы потребителей - все это стало широким полем для экспериментирования, хотя тенденция ни в коем случае не была ограничена только этой областью. Английский критик Рик Пойнор приводит в пример обложку пластинки немецкой группы электронной музыки Kraftwerk. В 1978 вышел альбом, содержавший строгие синтетические мелодии и пульсирующие робототехнические ритмы, которые оказали длительное влияние на развитие танцевальных мелодий в 1980-х и резко отличались от музыки того времени. Пластинка получила название «Die AlenschMaschine» (Человеко-машина).
Дизайн обложки альбома напоминал типографику советского конструктивизма 1920-ых. Историческая ссылка была усилена при помощи использовании, в качестве главных, красного, черного и белого цвета. Та же самая композиция с диктующей диагональю и типографская манера набора использовались на обратной стороне конверта, на фоне различных геометрических фигур. Дизайн Карла Клефиша был вдохновлен работами авангардистского «конструктора» Л. Лиссицкого и был фактически его цитатой (читай заимствованием, но, ни в коем случае не пародией). Дизайнер и музыканты хотели подчеркнуть, что музыка должна быть понята как «авангардистская».
После 70 или 80 лет классического модернизма наступил результат – истощение интеллектуальных ресурсов. «В мире, в котором стилистическое новшество больше невозможно, все что остается – подражать мертвым стилям, говорить через маски и с голосами стилей в воображаемом музее».
Использование «ретро-стилей» стало определяющим графический облик конца XX века. Пример – работы Поли Шер. Ее хорошее знание и понимание исторических форм футуризма, конструктивизма, дадаизма, голландского De Stijl, немецкого Bauhaus, Арт Деко и Арт Нуво, ее эклектичная способность повторно изобретать это и использовать в интересах своих клиентов сделала ее влиятельной фигурой в дизайне.
Поля Шер и Терри Коппель. Брошюра «Великие Начинания», разворот, 1984
В нашей стране выбор более простого пути копирования стилей, заимствования идей был определен во многом отсутствием преемственности в графическом дизайне. Нельзя сказать, что это стало следствием низкого уровня дизайна в целом. Многие известные дизайнеры и художники с удовольствием погружались в стили давно минувших эпох.
Викторианский стиль (viktorian): британский, американский, французский, arts and crafts: британский, американский. Арт-нуво (Art Nouveau): французский/бельгийский, Югенд-стиль, Глазго-стиль, Vienna Secession, американский, итальянский. Ранний модерн (early modern): plakatstil, wiener werkstatte. Экспрессионизм (expressionism): немецкий. Модерн (modern): футуризм, vorticizm (супрематизм?), конструктивизм, De Stijl, Баухаус, «Новая типографика». Арт Деко (Art Deco): французский, немецкий, швейцарский, восточноевропейский, итальянский, английский, американский, streamline, датский. Дада (Dada) «Героический реализм» (heroic realism) Поздний модерн (late modern): швейцарский, английский, американский, швейцарский международный стиль, корпоративный стиль, revival, эклектика, польский, психоделический (psychedelic), японский. Пост-модерн (postmodern): Мемфис/Базель/Цюрих, американская «новая волна», американский панк, американский пост-модернизм, европейская «новая волна».
Китч
Одна из ярких тенденций последних лет, граничащая с экзотикой. Природа китча, его зарождение связаны с повторением и переосмыслением уже сложившихся классических образцов. Но в процессе повтора происходит некий перебор: другой материал, масштаб, среда и т. Грань между классикой и китчем почти совсем не видна, так как нынешний китч «самой высокой и лучшей марки». Самые дорогие материалы и признанные производители, не скрывающие достижения технического прогресса, а также демонстрирующие их. Возвращение к природе и подчеркнутая экологичность. Смесь реального ретро и фантазий о нем.
Цветовая гамма: среди кричащей гаммы от розовых до ядовито зеленых и фиолетовых, лидирует агрессивный красный цвет. Также золотой, белый и черный.
Эклектика
Знаете ли вы, что мы с вами живем в эпоху эклектики? Эклектика попросту – это смешение. Так называют эпоху внестилевого развития архитектуры и дизайна. Эклектика наступает, когда очередной господствующий стиль уже «выработал себя», а новый еще не создан, это переход, переосмысление. При этом архитекторы и дизайнеры настоящего времени очень часто обращаются ко всему предыдущему архитектурному наследию и историческим стилям, заново перебирая различные стилеобразующие элементы того или иного времени и переосмысливая накопленный опыт. Соединение разнородных художественных элементов заметны уже в позднем древнеримском интерьере. Полностью копируя старые стили (интерес к достоверности), эклектика позволяет формально сосуществовать элементам нескольких стилей в одном интерьере. Современный стиль может являть в себе «смесь несмешиваемого», от тонкого намека до гротеска. Определить стиль того или иного интерьера можно скорей интуитивно, он часто не укладывается в какие-либо конкретно заданные классические определения. Формируясь в ходе совместной работы дизайнера и заказчика, он может принимать те или иные стилистические направления. Эклектика становится самостоятельным стилем со своими собственными чертами, присущими только ему.
Хай-тек
Новые возможности материалов и конструкций, стремительное развитие различных отраслей науки породили новый стиль – яркий, не похожий ни на какой предыдущий и поначалу немного шокирующий.. Ультрасовременный стиль высоких технологий, пропагандирует эстетику новейших технологий. Полное отсутствие декора компенсируется «работой» материала. Техно – одна из разновидностей hi-tech. Основные принципы стиля хай-тек: подчеркнутая графичность и лаконизм линий, обилие ясных и четких геометрических форм, минимум деталей, обилие стекла, металла и пластика, яркие открытые цвета. От предшествующих этапов хай-тек отличает демонстративный супер-техницизм, Все практично, функционально.
Излюбленные цвета : металик, серебро, белый, черный; материалы: металл, стекло. Хай-тек идеален для почитателей минимализма.
Цвет: металик, серебро, белый, черный. Хай-тек по-прежнему остается одним из актуальных стилей. Этот стиль, оформившийся в последней трети XX в. Практически полное отсутствие декора здесь компенсируется игрой света на стекле, блеском хромированных и металлических поверхностей, рисунком натуральной древесины. К этому могут добавляться открытый кирпич и разнообразные современные синтетические материалы. Хай-тек – стиль, пропагандирующий эстетику материала, динамику и напор, это стиль для людей молодых душой.
Функционализм
После окончания первой мировой войны потребовалось некоторое время для стабилизации экономики и осуществления крупных строительных мероприятий. В условиях вынужденной «бездеятельности», ведущие специалисты направляют свою творческую энергию на экспериментальную и теоретическую работу; они разрабатывают проекты и модели, содержащие в себе основные принципы архитектуры предстоящего периода.
Чрезмерное подчеркивание утилитарного характера и функции вещей было характерно для некоторых моделей, изготовленных в 30-е годы в Баухаузе (экспериментальной школе-мастерской) для массового фабричного производства.
Цветовая гамма чрезвычайно разнообразна и подразумевает изысканные сочетания цветов. Минимализм. Прямолинейность, простота, отсутствие узоров, рисунков, аксессуаров. Это поиск абсолютной формы, стремление к совершенству, лаконичность и сдержанность.
Дальнейшее формирование стиля связано с деятельностью экспериментальной школы-мастерской «Баухауз». Размещение небольшого количества предметов. В 50-е годы 20 века минимализм был очень популярен, как рациональный стиль. Сдержанная графическая гамма Минимализм - современная интерпретация древне-восточного стиля. Для него характерны: предельная лаконичность форм, полное отсутствие декора, орнаментов, ясность композиции, монохромность, подчеркивание естественности фактур, работа большими плоскостями, графичность. В минималистском стиле никогда не употребляются рисунки, узоры; предпочтение отдается черному, белому, кремовому и серому цветам.
Арт-деко
Сегодня Арт-Деко (фр.art deco букв, «декоративное искусство») всемирно признается синонимом эффектности. Зародился он как стиль в 1908 – 1912 годы, достиг расцвета между 1925 и 1935 годами. Сам термин происходит от названия международной выставки декоративных искусств и ремесел 1925 года Exposition Internationale des Art Decoratifs et Industriels Modemes, но как термин, обозначающий художественный стиль, возник в 1966-м году, после возрождения выставки в Париже. До этого его называли «джазовый модерн», «зигзаг модерн», «обтекаемый модерн».
Очень популярный и распространенный в свое время арт-деко, и в наши дни остается эффективным средством воссоздания элегантности и роскоши. Своему возникновению арт-деко обязан влиянию таких различных источников как Арт-Нуво, кубизм и Баухауз с одной стороны, древнего искусства Египта, Востока, Африки, Америки с другой. Арт-деко сочетал в себе одновременно неоклассицизм и обтекаемость, грациозность и игривость, монументальность и элегантность. Представители этого стиля игнорировали массовое промышленное производство товаров, они стояли за эксклюзивное изготовление предметов. В производстве изделийиспользовались ценные и дорогие материалы – змеиная кожа, слоновая кость, бронза, кристаллы, экзотическая древесина. Излюбленными формами были геометрические орнаменты из шести-, восьми угольников, овалов и кругов, треугольников и ромбов. Кроме того широко использовались растительные формы недавно распространенного модерна, различные цитаты из классицизма, а также заимствования из египетской, африканской и других экзотических культур.
Таким образом, в Арт-Деко можно выделить множество направлений: элегантно-классический, экспрессивно-экзотический, а также различные модернистские варианты. Арт-Деко начался с упоения роскошью и орнаментом, но впоследствии этот стиль изменил напрвление в сторону концепции функционального дизайна, впервые выдвинутой Баухаузом, и это произошло, когда немецкие дизайнеры прибыли в Америку, спасаясь от преследований в фашистской Германии, и привнесли свои идеи в американскую школу Арт-Деко. В 1930 – 1940 годах США охватила мода на «модерн» в стиле Арт-Деко. «Арт-Деко. Стиль художественной фантазии», Сюзанна А.Стерно Последний шикарный стиль европейских столиц.
Смешение элементов ампира, архаики египетского искусства, американской индейской экзотики и африканского примитивного искусства, автомобильного и авиационного дизайна.. Период арт-деко – это передышка Европы между двумя войнами, эпоха, характеризующаяся с одной стороны стремлением забыть об ужасах войны и стремлением эстетизировать мир, с другой стороны – это «пир до и после чумы», в котором чувствуется жажда и наслаждение жизнью вместе с пониманием ее непрочности и скоротечности. Стиль арт-деко вновь обретает широкую популярность. Как направление он сложился в середине 20-х гг. XX в. и сочетал в себе ретростили всех эпох и стран. В наше время ар-деко привлекает соединением искусства и технологии, открытой апелляцией к роскоши. Формы и линии В отличие от растительных тем модерна, ар-деко предпочитал геометрические формы и орнаменты, прямые линии, абстрактные композиции, узоры с восточными и африканскими мотивами. Один из самых распространенных орнаментов 1930-х годов – египетский полукруг, символизирующий восходящее солнце. Очень характерно изображение обнаженных женских фигур с развитой мускулатурой и в экспрессивных «изломанных» позах.
Цветовая гамма. Причудливая игра цветов: цвета слоновой кости, насыщенные коричневые тона, все оттенки золотого.
Модерн
Модерн – стиль конца XIX – начало XX в., ввел в дизайн интерьера принципиально новые декоративные элементы, отдавая им предпочтение перед конструктивными.
В России и Англии современный стиль называли модерном, в Бельгии и Франции – арт-нуво («новое искусство»), в Германии – югент стиль («молодой стиль»), в Австрии – сецессион «(отделение, уход»). Отказ от старых стилевых форм, поиск и использование новых материалов: железа, стекла, железобетона.
Лозунг «назад к природе». Сложная система линейного орнамента: основа мотивов – сильно стилизованные цветы и растения, лебеди. Символ стиля – изощренная форма цветка цикламена.
Цветовая гамма: приглушенные тона, расцветка без оттенков.
Новая волна»
Первое десятилетие нового века, казалось, несколько растерялось после безумных колебаний прошлых лет замерло в ожидании новой волны. Воистину говорят, что все новое – это хорошо забытое старое. Но сколько реально времени нам потребуется, для того чтобы вспомнить это старое? Огромный задел девяностых буквально растворился на безрыбье и жалком шатании начала 21 го века. Свежо предание, да верится с трудом. Этот застой отражался последние шесть лет буквально во всем. Стоит посмотреть, к примеру, ассортимент нашего телевидения и СМИ. Жалкие попытки сыграть на интересах к скандалам и жизни «поднебесных» celebrity, выступающих якобы примером для подражания, часто ничего не вызывает кроме культурной тошноты. Полный набор без информативного мусора предлагается нам под видом бутерброда с икрой. Что говорить о моде. Куда же делись, спрашивается, былые альтернативщики? Аллилуйя, они все-таки начали присылать небольшие весточки из своей самовольной ссылки. Спустя шесть лет, наконец-то, на горизонте стали подниматься редкие креативные головы. Мировые fashion дизайнеры зашептались о приходе новой волны. Уже сейчас звучат прогнозы о реанимации ярких цветов грядущей весной. Эхо веяний диско этики девяностых, наконец-то, дало знать о себе. Похоже, отголоски старой доброй рейв культуры прибавляют свой звук. Дизайнеры Лондонского East-Enda открыто декларируют о пришествии нового поколения, которое жаждет нечто большее, чем просто забавные и красивые вещи. Дизайнеры считают, что это реакция на индустрию однотипной моды, пропагандирующую лже причастность к пафосному образу жизни. Ответом становится возвращение к подчеркиванию индивидуальности личности и желание смелых экспериментов своего имиджа. В новомодных ночных клубах Лондона, таких как Anti Social и BoomBox уже повсеместно можно встретить ярких молодых людей, зарождающих образ новой волны. Яркие золотистые тона, неоновые майки, грубые джинсы, перекрашенная обувь - все это новое облачение современных челленджеров. Экспериментальные макияжи, мини юбки, прически в стиле панк -новый образ современных модниц. Некоторые уже поспешили присвоить название зарождающему движению – «ню рейв». Как бы это не обзывалось, хочется надеяться, что это является новым импульсом для выхода из коматозного состояния casual и порождения различных совершенно отличающихся друг от друга креативных направлений, способных обогатить культуру нового века.
10.2 Мода и стиль: отличия и взаимосвязь
Мода проходит, а стиль остается...
Мода (фр. mode, от лат. modus – мера, образ, способ, правило, предписание) –раскрытие красоты во времени. Древние философы, начиная с Платона, считали, что красота не может быть выражена адекватно раз и навсегда. Поэтому красота может быть выражена только противоречивым образом. А противоречия, согласно Канту, могут сосуществовать только во времени. Со временем мода выкристаллизовывается в стиль, который часто противопоставляется моде, хотя и на стиль бывает мода.
Мода в человеческом обществе – ещё и средство для создания социальных границ, и для создания суммы социальных признаков «свой–чужой».
«Модное» привлекает общественное внимание, и потому для лиц с низким социальным статусом, или же для «социально обделенных», часто неважно, положительное оно или отрицательное. В этом смысле слова в определенных условиях модным может стать даже неофашизм, сатанизм или гомосексуализм.
В изменении и изменчивости моды каждый раз снова и снова возникает обещание окончательного идеала «красоты» (которого нет). Человек каждый раз с готовностью верит этому обещанию, и каждый раз вынужден покориться велениям новой моды. Человеческое тело является основополагающим предметом модной стилизации.
Категория «красота» связана со зрительным восприятием предмета потребления и используется для выражения общественной ценности в чувственно воспринимаемых признаках формы. Для обозначения превосходной степени красоты (очень красивого изделия) используется термин «прекрасное». Особенность эстетической оценки того или иного товара состоит в том, что понятие красоты относят не только к привлекательности внешнего вида (его геометрической формы, цвета, рисунка), оно связано с возможностью наиболее полно удовлетворять потребность людей. Иными словами, красота товара как потенциального предмета потребления тесно связана с его целесообразностью. Так как форма товара является необходимой частью его содержания, а следовательно, его полезности, то потребителю нравится (или, наоборот, не нравится) и сам товар, и его форма.
Категория «приятное» неоднозначна понятию «красота». При потреблении красивых и удобных изделий человек испытывает чувство приятного. Однако отдельные потребительские свойства, связанные с понятием приятного, лишь условно можно отнести к эстетическим. Например, свойство туше у тканей. Туше – чувственное восприятие ткани в результате ее осязания. Оно может быть приятное или неприятное в зависимости от мягкости, плотности, ворсистости, упругости, сухости, жесткости и других показателей ткани. Свойство туше не может быть определено как красивое и некрасивое, т е не является с общепринятой точки зрения эстетическим свойством. В то же время туше –чувственная характеристика и поэтому может быть показателем эстетической ценности.
Номенклатура эстетических свойств материалов и готовых изделий неоднозначна. Эстетическую ценность большинства материалов (бумага, пленка, кожа и др.) можно оценить по единичным свойствам – форме, цвету, фактуре и рисунку. Эстетические свойства готовых изделий являются комплексными и включают четыре подгруппы свойств информационную выразительность, рациональность формы, целостность композиции и совершенство производственного исполнения.
Информационная выразительность – способность товара отражать посредством средств художественного конструирования отличие изделия от аналогов и его соответствие сложившимся в обществе эстетическим представлениям и требованиям. Единичными свойствами, определяющими информационную выразительность, являются оригинальность, соответствие стилю и моде, знаковость.
Оригинальность – отражение новизны товара, его отличия от других товаров одного и того же функционального назначения. Стилевое
соответствие показывает, насколько товар по внешнему виду отвечает требованиям современного стиля. Под стилем понимают устойчивую (в течение длительного времени) систему художественных принципов, приемов и средств выражения содержания вещей. Различают стили эпохи, национальные, отрасли, фирмы (объединения), конкретного функционального комплекса предметов потребления.
Облик одежды, мебели и других изделий предметной среды, так же как здания и сооружения, в каждом стиле эпохи отражает уровень общественного и культурного развития. Стиль прошедших эпох – это своего рода отпечаток неповторимого образа жизни. Поэтому попытки возродить в современных условиях облик предметов старины, т е. давно ушедших стилей (оформление «ретро»), обычно приводят к формализму, стилизации.
Современный стиль характерен относительной простотой и завершенностью форм (преимущественно прямоугольного сечения для стационарных изделий и обтекаемой поверхности для движущихся предметов), ясностью и логичностью структуры, отсутствием вычурности и сложных украшений. Национальный стиль отражает традиционные особенности форм и отделок, характерных для наций и народностей (например, традиционная вышивка одежды на Украине, своеобразная форма и отделка головных уборов в Средней Азии и т. д).
Стиль отрасли и фирмы отражает характерные особенности художественного конструирования, в результате которого создается оригинальное, единственное в своем роде оформление продукции, продающее фирме (предприятию) или отрасли особое «лицо».
Мода в отличие от стиля представляет собой временную общность приемов и средств выражения содержания вещей. Другими словами, мода – это господствующие в данное время вкусы людей (общества). Влиянию моды более всего подвержены предметы потребления, особенно одежда, обувь, предметы туалета. Изменение моды – естественное стремление людей обновлять предметную среду, улучшать изделия, срок службы которых относительно мал.
Рациональность формы – групповое свойство, показатели которого характеризуют, насколько форма товара соответствует назначению, конструкции, материалу, удобна ли она, подсказывает ли форма характер обращения с товаром. Красивая форма не должна быть приложением к конструкции изделия, она должна соответствовать ей. Неудобное в употреблении, технически устаревшее, функционально не совершенное изделие не будет красивым, если ему будет придана даже формально совершенная форма.
Целостность композиции – характеризует степень согласованности всех частей и целого в товаре, объединенных единым замыслом и оформлением. Само слово «композиция» означает взаимосвязь важнейших элементов произведения (продукции), раскрывающая ее содержание. Товар
может иметь оптимальную массу, размеры, конструкцию, цвет, рисунок, но эти составляющие еще не представляют целостной композиции, если они не объединены и не оформлены в единое целое с учетом их функциональной, конструкторской и эстетической целостности. Оценивая целостность композиции, учитывают степень организованности объемно–пространственной структуры изделия, т. е. имеет ли место соподчиненность частей и целого, второстепенных главному (например, хлястик и клапан кармана у пиджака должны соответствовать общему замыслу модели). Целостность композиции предусматривает также гармонию формы – соразмерность и взаимосвязь частей, их пропорциональность (соотношение частей между собой и целым) и масштабность – соотношение величин частей товара и размера самого товара по отношению к человеку и другим изделиям предметной среды. Все предметы потребления должны иметь размеры, соответствующие размерам человеческого тела или другим предметам среды функционирования. Для каждого товара должна быть найдена верная масштабность, так как нарушение масштаба приводит к потере целостности композиции и ансамбля предметной среды, затрудняет пользование такими изделиями (например, стул с высотой сиденья больше привычных).
Целостность композиции означает также упорядоченность графических и изобразительных элементов изделия, цветовую гармонию, сочетание фактуры и рисунка (орнамента) с общим замыслом композиции. Следует иметь в виду, что с помощью цвета, фактуры и рисунка можно достичь не только общей композиционной целостности, но и возможности зрительных иллюзий, используемых дизайнерами для корректива формы (кажущегося увеличения или удаления предмета, изменения пропорций и т. д.). Так, вертикальная форма представляется длиннее горизонтальной, члененная форма кажется больше нечлененной, голубой и другие холодные цвета удаляют и уменьшают изделия, теплые, и темные, наоборот, приближают и, следовательно, увеличивают их, усиливают впечатление тяжести и прочности предмета.
Раздел 11. Фирменный стиль. Бренд
11.1 Визуальные коммуникации и понятие фирменного стиля
11.1.1 Логотип
Визуальная составляющая среды обитания является одним из приоритетных объектов дизайнерского творчества. Такое положение обусловлено тем, что более 80% всей информации (сведений, знаний) в процессе жизнедеятельности человек получает благодаря зрительному анализатору (глазам в сочетании с соответствующими участками головного мозга).
При интенсивном развитии отечественного художественного конструирования в 60–е годы дизайнерский подход в прикладную графику начал входить через промграфику (графические элементы на изделиях) и упаковку. Пик этого процесса пришелся на конец 60–х – начало 70–х годов. Теоретическая концепция, которую характеризовали как визуально–коммуникационную, формировалась на базе семиотики (наука, исследующая свойства знаков и знаковых систем) и теории информации с учетом социально–технического контекста.
Елена Черневич искусствовед писала: «графический дизайн, превращает информацию в визуальные сигналы, которые должны быть интерпретированы однозначно»; «в структуру визуальной коммуникации входит: источник текста, который задает не визуализированное содержание, визуальный коммуникатор, визуальный текст, канал связи приемник текста»; «складывается новый тип профессионала – дизайнер–график становится визуальным коммуникатором».
Концепция графического дизайна, основанная на концепции функционализма, во многом остается привлекательной и сегодня, особенно с методологических позиций. Правда, при условий понимания необходимости усиления художественного начала, стилевых тенденций и модных веяний.
Фирменный стиль проектируется на базе методологического подхода, сложившегося в процессе многолетней международной практики, и с учетом особенностей конкретной фирмы, концепции ее деятельности.
Объекты творческого внимания дизайн–графиков многочисленны и многоплановы. Рассмотрев визуально-составную рукотворной среды обитания, можно выделить в ней несколько условных слоев:
9. Первый слой , с которым имеют контакты практически все слои населения, образуют средства и системы визуальных коммуникаций в городских, сельских и прочих пространствах, на транспорте и т. д. Сюда входят вывески, рекламные установки, витрины магазинов, таблицы с наименованиями улиц и номерами домов, указатели маршрутов транспорта, знаки дорожного движения и пр.
10. Второй слой – средства визуальных коммуникаций в пространствах зданий, интерьерах: указатели, пиктограммы, таблички, рекламные объявления, плакаты и другие средства информации.
11. Третий слой – наиболее специфический, связан с эксплуатацией сферы жилищно–коммунального хозяйства, больших мероприятий государственного или даже международного масштаба, в том числе олимпиады, фестивали и пр.
Графический фирменный стиль – термин, обычно обозначающий и систему визуально–коммуникативных средств, спропроектированную в целях создания определенного постоянного зрительного образа. Она включает в себя основные элементы: знак, логотип, цвет, шрифт, а также все многообразие визуальной информации: от документации, упаковки, сувениров, рекламы до элементов визуальной коммуникации, графики на одежде, транс–портных средствах, зданиях и пр.
Фирменный блок включает в себя товарный знак, название предприятия, почтовые и банковские реквизиты, перечень товаров и услуг, рекламный символ фирмы, слоган. В фирменный блок могут входить все перечисленные элементы или только некоторые из них. Фирменный блок удобно использовать во многих случаях: от оформления фирменных бланков до оформления упаковки продуктов.
Разрабатывая фирменные цвета , необходимо учитывать возможности типографий при печати: газеты, например передают только основные цвета, либо использовать два варианта - цветной (со сложной гаммой цветов) и черно-белый.
Формат изданий может быль любым, он должен быть оригинальным, это поспособствует лучшей узнаваемости информационно-рекламных материалов.
Слоган - короткая фраза, девиз фирмы или товара. Это словесный рекламный символ фирмы. В отличии от изобразительного рекламного символа фирмы, слоган представляет собой и визуальный и аудио- образ, что придает ему исключительную значимость как элемента имиджа или рекламного средства.
Аудиообраз - музыкальная фраза, композиция, несколько нот для голоса или музыкальных инструментов, сочетание определенных шумов, служащих как-бы опознавательным знаком фирмы в радио- и телероликах. Главная функция аудиознака - та же, что и у графического знака фирмы - идентификационная. Аудио образ должен обладать всеми критериями фирменного знака и может быть, зарегистрирован в качестве такового.
Зачастую в качестве аудиообраза используется аудио-слоган: специфическое, постановочное решение аудио средствами слогана фирмы., придающее ему привлекательность, запоминаемость. Разница между аудиообразом и аудио-слоганом в том, что слоган это аудиоинтерпритация словестного выражения, а аудиообраз это самостоятельный звуковой образ, ассоциированный с фирмой.
Вершина большой пирамиды фирменного стиля и рекламы – товарный знак.
Товарный знак (знак обслуживания) – официально принятый термин, означающий зарегистрированное в установленном порядке обозначение, призванное отличать товары и услуги одних юридических или физических лиц от однородных родов и услуг других лиц. Синонимами термина товарный знак являются – фирменная марка, просто марка, фирменный знак, эмблема. Словесную часть знака или словесный знак называют также марочным названием, фирменным названием, логотипом.
Товарный знак не следует смешивать с довольно близким к нему смежным объектом – фирменным наименованием. Фирменное наименование – это название предприятия, которое индивидуализирует организацию, носит бессрочный, не отчуждённый характер, особо не регистрируется (металлургический завод, ткацкая фабрика, банно–прачечный комбинат и пр.).
Товарный знак должен быть обязательно зарегистрирован до его использования. Охрана товарного знака осуществляется государством в течение пяти лет с момента его регистрации в комитете России по патентам и товарным знакам (РОСПАТЕНТ).
· Основной функцией знака является отличие, т.е. знак должен способствовать различию сходных или идентичных товаров, услуг, изготовленных, оказываемых различными производителями.
Стиль «конструктивизм» в дизайне
Конструктивизм - направление, которое связывают в первую очередь с архитектурой. Однако такое видение можно назвать однобоким или даже в корне неверным, потому что прежде, чем стать архитектурным методом, конструктивизм существовал в дизайне и полиграфии. В графических видах творчества конструктивизм характеризовался применением фотомонтажа вместо рисованной иллюстрации, предельной геометризацией, подчинением композиции прямоугольным ритмам. Стабильной была и цветовая гамма: чёрный, красный, белый, серый с добавлением синего и жёлтого.
Стиль «Классика» в дизайне
Графический дизайн в классическом стиле основан на строгих канонах: четкость, лаконичность, стройность и логичность. Используются только типологические черты образа. Классика всегда вне времени и сегодня также популярна, как и несколько десятилетий назад. В этом стиле исполняются визитки, календари и прочая офисная полиграфия. Элементы классического стиля: строгие рамки, «лоснящиеся», блестящие градиенты, различные декоративные элементы. Что касается цветовых решений классического стиля, то, как правило, это насыщенные и яркие оттенки в сочетании с серебряным или золотым цветом.
Викторианский стиль в дизайне
Главная особенность викторианского стиля - насыщенность деталями. Здесь снова вошло в обиход понятие «боязнь пустоты», но, в отличие от традиционной трактовки, к примеру, в искусстве Барокко, оно стало отражением иного, эклектического мышления. Это заметно в оформлении и жилых интерьеров, и характерных для этого периода рекламных постерах.
Стиль «Авангард» в дизайне
Авангард - это обобщающее название течений в европейском искусстве, возникших на рубеже XIX и XX веков, выраженное в полемически-боевой форме. Авангард характеризуется экспериментальным подходом к художественному творчеству, выходящим за рамки классической эстетики, с использованием оригинальных, новаторских средств выражения, а также подчёркнутым символизмом художественных образов.
Американский дизайн середины 20-го века
В 40-50-е годы по всей Европе утверждается концепция «хорошего дизайна». В Италии она получила название "bell design", в Германии - "хорошая форма", на севере Европы - "скандинавский дизайн". Основной потребностью людей в послевоенные годы стало налаживание нормальной мирной жизни. Дизайн, отвечающий данному социальному запросу, должен был быть качественным, «спокойным», экономичным, приятным глазу. Ни вызова, ни протеста, ни элитарности от вещей общество не хотело.
Стиль «Ампир» в дизайне
Ампир у многих ассоциируется с Петербургом, так как основной темой стиля считается монархическая и героическая направленность. Этот стиль часто ориентирован на античные образы Греции, Рима, Египта. Мощь, величие, монументальность характеризуют ампир. В качестве декора могут использоваться различные военные мотивы: доспехи, лавровые венки, орлы, часто встречается египетский орнамент. В современной рекламе чаще всего этот стиль используют производители алкогольной продукции, чтобы подчеркнуть солидность и мужественность марки. Ампир способен создать эффект царственности, величавости.
Стиль «Модерн» в дизайне
Модерн или арт-нуво - полная противоположность классике и ампиру. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» рисунков, нестандартность пропорций, асимметрия, растительный орнамент. Эта легкость и романтика обычно выражается в использовании пастельных тонов. Модерн отрицает каноничность и четкость элементов композиции. Обычно он используется для привлечения женской аудитории.
Стиль «Ар-деко» в дизайне
Ар-деко (арт-деко) произошел из авангардизма. Основные черты: закономерность, этнические геометрические узоры, роскошь. Экзотичность этого стиля выражается в использовании элементов культуры и традиций разных стран и народов. Это и древняя Месопотамия, и народы Майя, и египетская культура эпохи фараонов. Часто используются отсылки к культуре древних Греции, Рима, Китая и Японии, и что немаловажно - России. Можно встретить повторяющиеся геометрические фигуры: круги, квадраты, стрелы – это результат влияния Америки 20-х годов, когда источниками вдохновения для дизайнеров становились механические и промышленные формы. Ярким примером стиля ар-деко считается дизайн пачки сигарет Lucky Strike.
Стиль «Минимализм» в дизайне
В основе этого стиля – простота и лаконичность. Монохромность, простые формы, нейтральные цвета – это та цена, которую стоит заплатить, если хочется сделать акцент на главном объекте или образе. Хорошие примеры минимализма можно найти у японских дизайнеров. Изящность и простота. Порой это все, что нужно, чтобы возбудить интерес к образу.
Стиль «Поп-арт» в дизайне
Поп-арт (или популярное искусство) преследует цель отображать именно массовые образы - от потребительских товаров до знаменитостей. Наиболее запоминающимися образами этого стиля стали изображения Эрнесто Че Гевары и Мерилин Монро от основоположника стиля Энди Уорхола. Основные характеристики стиля: яркие, насыщенные цвета и резкие контрасты. Этот стиль направлен на привлечение массовой аудитории, в большей степени на молодежь.
Стиль «Типографика» в дизайне
Типографику можно считать основой современного графического дизайна в рекламе. Главная ее задача – это информирование. В типографике один элемент – текст. Дальнейшие манипуляции дизайнера могут производиться со шрифтами, цветом, расположением самого текста. Классический пример этого стиля – различные этикетки, информационные листовки.
Стиль «Гранж» в дизайне
В свое время стиль гранж возник как альтернатива причесанному гламуру и неестественной фальшивой красоте, идеализированной до приторности. К гранжу можно применить такие определения, как грязный, нарочито неопрятный, иногда даже уродливый. Сейчас гранж – это мощный устойчивый тренд веб-дизайна, дающий большой простор для самовыражения.
Современный гранж не стремится тотально использовать все "примочки" из своего арсенала, дабы походить на свалку или кучу мусора. Достаточно нескольких визуальных элементов - и дизайн приобретает совершенно иное звучание. Визуальная составляющая гранжа скорее трансформируется в форму легкой небрежности или потертости временем от долгого и частого использования.
Гранж – один из самых креативных и забавных стилей в веб-дизайне. Он дает широкие возможности для эксперимента, позволяет пробовать различные графические элементы. И при этом нет необходимости придерживаться строгих форм и правил.
Дизайнеры из Yourinspirationweb рассмотрели 4 основных составляющих стиля гранж. Именно наличие одного или нескольких таких элементов и определяет принадлежность к этому стилю.
- Гранжевая палитра цветов
В гранжевом дизайне живые и динамичные цвета, как правило, заменяются на более приглушенные и матовые. Типичные цвета – это бежевый, коричневый, черный и серый. Гранж избегает пастельных тонов, а также типичных цветов стиля Web 2.0. - Текстуры и узоры
Можно сказать, что это основополагающий элемент для стиля гранж. Для бэкграунда используются различные «неопрятные» визуальные элементы, как-то: изображения стальной арматуры, разорванные джинсы, деревянные поверхности, а также поверхности с различными шумами и потертостями. Здесь - огромное поле для экспериментов. Главное, чтобы это было уместно. - Реалистичные детали
Гранж, как и стиль hand made, имеет слабость ко всякого рода рукотворным штучкам. Это могут быть стикеры, полароидные снимки, обрывки бумаги, кусочки канцелярского скотча, скрепки. А также такие элементы, как кляксы, пятна, брызги и разводы на поверхности. - Гранжевые шрифты
Гранжевый шрифт может иметь потертости, шероховатости, заломы. Он может состоять из неровных и неправильных линий и выглядеть так, как будто с ним совершали какие то манипуляции. Или, как вариант, это может быть шрифт, написанный от руки.
Графические произведения
Театр
Книга, театр
Книжная графика и сценографическое оформление это те области творчества, где изобразительное искусство сопрягается с другими видами искусства, где от художника требуется разносторонняя культура. В книжном и театральном оформлении художественный результат возникает при соотнесенности визуального решения с литературной или театральной тканью произведения.
Жизнь, разворачивающаяся на сцене и одухотворенная красотой пения, жеста, декораций, воплощает тот самый мир искусства, с которым только и связывалась ценность бытия. Театр – это мир особенный, где вымысел и реальность суть одно и то же. Главное притяжение мирискусстников заключено в его красоте. В театрально работе они стремились – превратить сцену в «царство красоты».
Все что заключает в себя понятие «театральность», - возвышенность и небудничность, волшебность и отрешенность, правда и вымысел – становиться характерным свойством, в частности и графических произведений.
Обратившись к графике мирискусстники за несколько лет подняли ее культуру. Что бы не делали художники – книгу, журнал, театральную программу, конверт для визитных карточек, плакат - свое предназначение они видели в том, чтобы украсить издание. В графическом творчестве главенствует идея красоты. Оформление книг и журналов начинается с обложки и далее строится на заставках и концовках, буквицах и росчерках заголовков.
Виньетка – основной элемент оформления.Мотивы – цветы, ленты, гирлянды, вазы. Мирискуссников часто называли мастерами виньеток или виньетистами.
5.7.5 Издание журнала «Мир искусства»
Первый художественный иллюстрированный журнал. Приступив к изданию журнала, художники начали реализовывать на нем свои взгляды на жизнь, раскрывали свои возможности, отрабатывали графический стиль. В поиске художественного облика журнала участвовали все графики «Мира искусства», строятся профессиональные, дизайнерские принципы оформления. Художники продумывают, на какой бумаге печатать журнал, каким шрифтом, выбирают технику воспроизведения, заказывают печать в разных типографиях и следят за качеством производства.
Редактировал журнал С.Дягилев. Субсидировали меценаты С.Мамонтов и М Тенищева, однако частные субсидии закончились уже через год и еще четыре года журнал существовал на казенный счет, с наступлением финансового кризиса в стране журнал прекратил свое издание выпуском №12 за 1904 год.
Разрабатывая свой графический стиль они исходят из двухмерности печатного листа, согласовывают характер графики и шрифтового набора.
Графика обрела свой условный язык, ее отличают отсутствие иллюзорности, стилизованный рисунок, игра черного и белого, линии и пятна.
«Мир искусства» объединили первое поколение художников, которые не ограничивали свою профессиональную деятельность проблемами национального искусства, но соотносили и соизмеряли свое творчество со всем тем, что в этом время происходило в искусстве других стран.
В журнале предполагалось отражать все новое, значительное что появлялось в искусстве, как в отечественном, так и в зарубежном. «Мир искусства» знакомит читателя с абрамцевсмими и талашкинскими мастерскими, с искусством западного модерна (первыми печатают работы Обри Бердсли), так же идет пропаганда российского искусства, выпускаются журналы, посвященные творчеству К.А.Сомова, А.П.Остроумовой, В.А.Серова, М.А.Врубеля.
Для талантливых личностей, образовавших это творческое содружество, действительностью была не окружающая, а внутренняя жизнь полная мечтаний и красоты. Они обратились к давно минувшим временам – XVIII «галантный век», 30 года XIX века. Постепенно в живописи и графике мирискусников начинают преобладать темы и мотивы, взятые из прошлого. Ретроперспективность – их отличительная черта. Произведения мирискусников легко узнать по изощренной стилизации, за основу они взяли: время Петра I и Людовика XIV, русский портрет XVIII века и немецкая гравюра, книжная графика пушкинского времени и т.д.
Творчество мирискусников развивается параллельно с самым серьезным изучением русской культуры XVIII – начала XIX века. Бенуа ведет систематическую работу по сбору сведений о художниках того времени. Дягилев осуществляет работу по изучению творчества Левицкого, итогом которой являлась выставка «Мира искусства», посвященная портретной живописи 1905 году, где экспонировалась более 2000 работ русских и западноевропейских художников, скульпторов.
60 выпусков журнала и 5 выставок – результаты насыщенной деятельности «Мир искусства», поставившей его в центр всей художественной жизни России. За этот период была полностью выражена эстетическая программа этого объединения, определилась творческая индивидуальность всех его участников (как правило, это были уже профессиональные художники, сложившиеся личности).
Завершающим этапом в их деятельности было оформление с триумфом прошедших в Париже «русских сезонов», где они оформляли все оперные и балетные постановки.
Культурная роль, сыгранная «Мир искусства», оказалась значительней, чем вклад, оставленный индивидуальным творчеством его членов. Коллективные акции «Мира искусства» всегда повышали тонус всей художественной жизни. Художественный стиль, выработанный ими, получил продолжение и развитие в области графики – в работах так называемого «второго поколения» «Мира искусства». Все художники к нему принадлежавшие посвятили себя графике, утвердив ее профессиональный статус.
Если вы подумываете заказать фирменный стиль или создание логотипа для своего бренда, или вас интересует разработка дизайна упаковки вашей продукции, и вы неравнодушны к стилю ретро - добро пожаловать в нашу машину времени, и пусть история творит вдохновение!
Современный графический дизайн часто обращается к ушедшим эпохам и к истории стиля и дизайна. Вдохновение можно жадно черпать в эстетике и культуре прошлого, но чем просто копировать и подражать минувшим дням, в своем дизайне лучше историю переосмыслять и обновлять. Смотрите в прошлое, но оглядывайтесь на настоящее.
Берите ручку и бумагу – мы собираемся окунуться в прошлое. Давайте взглянем на 150-летнюю историю графического дизайна, начиная с 1850-го года и заканчивая 2000, и посмотрим, чем можно вдохновиться при разработке фирменного стиля.
01. Викторианский стиль (1850-1900)
Графический дизайн викторианской эпохи крепится на типографике и принципе «чем больше, тем лучше». Эпоха, названная в честь правления королевы Виктории, которой предшествовала промышленная революция, стала свидетелем радикальных сдвигов в производстве, социальных и культурных изменений.
Новые технологии сделали печать и бумагу более доступными, и предприниматели стали использовать графический дизайн для коммерческого развития своего бизнеса. Типографии разрабатывали все новые и новые декоративные шрифты, леттеринг , рисуя изобретательные плакаты, рекламные объявления, оформляя страницы журналов и любые другие печатные материалы сложной, симметричной и узорчатой эстетикой.
Заказать фирменный стиль в Викторианской манере:
Изрисуйте страницу – каждый ее сантиметр, - но сохраняйте симметрию
Экспериментируйте с леттерингом и сложными тиснениями
Добавьте тени, очертания и любые искусные украшательства
Совместите текст и изображение в одно произведение искусства
Графический дизайн викторианской эпохи – хороший выбор для кафе-баров, в интерьере которых присутствуют различные уникальные и изобретательные детали, узоры, орнаменты. Особенно удачно сочетается этот стиль с названиями, в которых есть слово «Виктория», как на логотипе «Victoria Brown» – симметричная верстка, характерная типографика, витиеватые формы и корона, венчающая композицию.
02. Движение искусств и ремесел (1870-1910)
Если вы думаете, что викторианский дизайн – самый узорчатый из всех, то вы глубоко заблуждаетесь. Движение искусства и ремесел стало реакцией против производства ширпотреба и низкокачественных товаров Промышленной революции. Во главе с Уильямом Моррисом защитники ратовали за возвращение к ручному дизайну и провозглашали радость в труде. Они использовали традиционные модели производства, обращались к природным материалам и вдохновлялись идеями прошлого.
Создание логотипа в стиле Движения искусств и ремесел:
Используйте натуральную, природную цветовую палитру
Создавайте плотные, взаимоперетекающие композиции, цветочные и с изогнутыми формами
Изображайте цветочные и растительные темы натурально
Используйте типографику средневекового стиля
Представленная айдентика бренда выполнена не в такой плотной верстке, но вдохновлена изображением природы такой, какой мы видим ее в жизни, естественность подчеркивается спокойной цветовой гаммой. В результате – эстетическое желание полюбоваться, а потом съесть эти овощи.
03. Ар-Нуво (1880-1910)
Ар-Нуво часто воспринимают как что-то закрученное и кудрявое. На самом деле, этот стиль выражает психологические сдвиги и тревоги, которые имели место на рубеже двадцатого столетия, и чаще всего текучий и извилистый дизайн как раз отражает это состояние потока и изменений. Наступало время открытий, новых технологий, глубокого познания мира. К тому же, в воздухе витала атмосфера эмансипации, в лице освобожденной, современной женщины мужчины стали чувствовать соперника на звание хозяина жизни – теперь не только они могли учиться, работать и даже, представьте себе, кататься на велосипедах.
Создание логотипа в стиле Ар-Нуво:
Подчеркивайте линейные и абстрактные формы, плоский дизайн привнесен японской традицией
Используйте извилистые и плавные линии и формы, которые трансформируются, перемещаются и тают
Дизайн должен выражать изображаемый субъект
Изображайте женские лица
Обложка этой книги древних сказок Японии вдохновлена влиянием японского дизайна, который был популярен в эпоху Ар-Нуво. Буквы «C» и «J» в названии преображены природными узорами; чувство, словно цветы вырастают из нижней части книги; а стрекоза – популярный символ течения – пролетает в правом верхнем углу.
04. Дадаизм (1910-1920)
Стиль Дадаизма или Дада стал реакцией на Первую мировую войну как контрэстетическое движение, которое фокусировалось на антивоенной политике.
Для дадаистов война не имеет никакого смысла, и общество, которое в ней участвует, поставлено под сомнение – а значит, под сомнением и само искусство.
Художники стремились к уничтожению традиционных ценностей в искусстве и замене старого новым. Они утилизировали и превращали в эксперименты старую типографику, творя революцию против «идиотской и тошнотворной концепции старомодных книг», и в результате, дизайн рекламной продукции фонтанировал спонтанным леттерингом и изображениями, которые должны были «удвоить виразительную силу слов».
Создание логотипа в стиле Дадаизма:
Экспериментируйте со шрифтами, версткой и пустым пространством
Нарушайте все правила и следуйте беспорядку
Делайте коллажи из картинок, билетов, газет и любых других печатных материалов
Спекулируйте смыслами и значениями, комбинируя несочетаемые изображения и тексты
05. Авангард (1920-1930)
Период между двумя мировыми войнами ознаменовал эру изобретений и инноваций, а термин Авангард отсылает нас к людям, которые творили в это время. И действительно, авангардные экспериментаторы и новаторы расширили границы дизайна. В Нидерландах художники уходили в абстракцию форм и цветов для выражения новых утопических идей духовной гармонии и порядка. В России художники-конструктивисты сливали искусство с новыми технологиями и политической идеологией для поддержки революции.
Заказать фирменный стиль в манере Авангарда:
Следуйте четким геометрическим линиям и формам
Используйте основные цвета в насыщенных оттенках
Включайте фотомонтаж
Выбирайте большие и жирные шрифты
Обложка этого CD-диска явно отсылает нас к работе русских конструктивистов в своей красно-черно-белой палитре. Ярко выраженные линии очерчивают квадрат, а черно-белые элементы сливаются в фотомонтаже.
06. Ар-Деко (1920-1930)
Из ревущих 20-х до Великой депрессии в США, Ар-Деко был призван повысить производство и потребление. Этот стиль родился во Франции, где предметы роскоши олицетворяли краткосрочное экономическое возрождение. Французские ремесленники использовали экзотические материалы, возрождали традиционные методы и приветствовали классический опыт колониального мира создавать эксклюзивные, штучные товары. Когда Ар-Деко распространился в Америке, дизайнеры приспособили его эстетику для современного городского образа жизни – общества потребления.
Создание логотипа в стиле Ар-Деко:
Придерживайтесь прямых и лучеобразных геометрических линий
Стилизуйте абстрактные линии для плоских 2D изображений, словно замерших на месте
Вдохновляйтесь небоскребами, машинами, транспортом и веком джаза
Создавайте сияющие, блестящие, глянцевые поверхности
07. Интернациональный стиль (1950-1960)
Задумывались ли вы когда-нибудь, откуда растут ноги у Helvetica (шрифты без засечек)? Теперь вы знаете. После потрясений Второй мировой войны интернациональный (или швейцарский) стиль стремился к простоте, минимализму и точности. В 50-х и 60-х годах швейцарские дизайнеры продвинули модернистские идеалы Аванграда еще дальше, экспериментируя с типографикой и фотомонтажом. Они не чувствовали необходимости в самовыражении. Стиль стал воплощением мантры «форма следует за функцией» - дизайнеры создали универсальный, анонимный, объективный графический язык.
Заказать фирменный стиль в манере Интернационального стиля:
Используйте строгую типографику, такую, как шрифты Helvetica
Включайте фотографии вместо иллюстраций и рисунков
Привнесите в свой дизайн больше свободного пространства
Структурируйте ассиметрию
Жирный, легкий для чтения шрифт, много пространства, фотоизображения и очень простая цветовая палитра – концептуальный дизайн в интернациональном стиле.
08. Средневековый модерн (1950-1960)
Тем временем, в середине века Америка наслаждалась хорошей жизнью, насыщенной оптимизмом и процветанием после Второй мировой войны.
Дизайнеры обратились к идеалам европейских модернистов и соединили их с этим оптимистическим чувством и благополучием для создания ярких, красочных и полных жизни работ, которые были обращены к обществу с призывом потреблять, потреблять, потреблять.
Заказать фирменный стиль в манере Средневекового модерна:
Используйте яркие, эмоциональные цвета
Оставьте много пространства
Вставляйте веселые и экспрессивные иллюстрации
Создавайте живые и причудливые композиции
Эти деревянные машинки напоминают о том времени, когда еще не было пластиковых игрушек. Разработка дизайна упаковки нацелена здесь именно на ту эпоху. Средневековый модерн в этом дизайне воплощен яркими, абстрактными иллюстрациями машинок, символизирующих скорость и движение.
09. Психоделика (1960-1970)
Психоделическое движение произросло из-за распространения галлюциногенных наркотиков в 60-х и 7-х годах. Когда послевоенное поколение достигло совершеннолетия в те годы, они подвергли материалистические и консервативные ценности Америки под большое сомнение, в результате чего революционное движение молодежи ознаменовало восстания и время экспериментов. Музыкальные фестивали и концерты, неотъемлемой частью которых были наркотики, - характерные атрибуты социального ландшафта. Графический дизайн визуально выражал это ощущение «выключения из реальности» с помощью насышенных цветов, закрученных линий и форм (что схоже с Ар-Нуво) и едва читабельных шрифтов.
Создание логотипа в стиле Психоделики:
Выбирайте яркие и контрастные цветовые оттенки
Не оставляйте ни единого нетронутого места
Вставляйте лица
Создавайте иллюзию движения из четких извилистых линий
Этот постер – фантастическое произведение искусства, отсылающее нас к психоделическому дизайну и рекламирующее концертный тур рок-группы The Black Keys. На нем нет ни сантиметра, который остался бы нетронутым, масса линий и форм движутся и перетекают друг в друга.
10. Постмодернизм (1970-1980)
Постмодернистский дизайн, что это вообще такое? После того порядка и рациональности, которые царили в дизайне модерна, дизайнеры постмодерна выбрасывали условность и серьезность из окна и работали в смелом, кричащем, чудаковатом дизайне. В конце концов, на дворе стояли 80-е. Традиционная условность игнорировалась, вместо этого создавался выразительный, игривый дизайн, сочетающий элитарную и массовую культуры.
Заказать фирменный стиль в манере Постмодернизма:
Комбинируйте столько ярких цветов, сколько возможно
Играйте, оставьте серьезность, думайте о форме, а не содержании
Фотомонтаж – для фана и эстетики, а не для смысла
Ориентируйте дизайн на поп-аудиторию
Как написал журналист на портале itsnicethat.com, «способность узнать знаменитость по его частям – на самом деле то единственное, что отличает человека от жука-навозника»
11. Гранж (1990-е)
Nirvana, Pearl Jam, Stone Temple Pilots – эпоха гранжа в 90-е подарила нам не мало отличной музыки, а также примеры прекрасного «грязного» дизайна. Как постмодернизм был реакцией на функционализм модернизма, приглушенный гранж стал реакцией на красочность постмодернизма. Это должно было стать более точным и реалистичным изображением реальной жизни с ее грязными пятнами, смазанными изображениями, обрывистыми и грязными текстурами. Один из ассов дизайна в стиле гранж – Дэвид Карсон, экспериментировал с выразительной типографикой, бэкграундами и текстурами.
Заказать фирменный стиль в манере Гранжа:
Используйте приглушенную и тускловатую цветовую палитру
Экспериментируйте с размытыми и искаженными образами
Применяйте грязные текстуры и элементы типа пятен или слез
Добавляйте рукописные элементы и обрывистые шрифты
Ваша очередь
Мода и тренды в графическом дизайне цикличны (как и в веб-дизайне , о чем мы писали вот в этой статье). Оглянитесь в прошлое для содержательного, а не только эстетического вдохновения, и попытайтесь стать новатором, а не просто имитатором. Исторические тенденции в области дизайна лучше всего интерпретируются тогда, когда в их значении и контексте использования есть смысл и актуальность.
